LA CONSAGRACION DE LOS GRANDES GRUPOS DEL 2000

2010 se perfila como un buen año musical, es el año de los regresos triunfales de las bandas que la rompieron en la década pasada. Cada una de ellas nos han convencido el porque de su talento manteniendo un nivel exquisito. Ya quisieran otras bandas (mucho mas conocidas) mantener ese envidiable nivel. Y es que el rasgo común de estas grandes bandas es su status dentro del circuito indie, teniendo el total control de su obra, y manteniéndose lejos de los brazos maliciosos del mainstream.

Y aqui van:

1 - CONGRATULATIONS - MGMT

El segundo disco de MGMT marca su convicción por escabullirse en los rincones mas inusitados de la psicodelia, es un disco extraño pero no deja de sorprender por su manera de experimentar con distintos géneros, aunque ahora menos que en su disco debut. Este disco suena mas compacto que el Oracular Espectacular, sin embargo, no tiene singles fuertes como para captar mas seguidores de los que ya tiene, aqui el duo quiere mantener una senda en perfil bajo, haciendo lo suyo, y nos da grandes satisfacciones en canciones como "It's working", "Siberian breaks", "Brian Eno" y sobretodo esa relajante balada "Congratulations".

2 - THIS IS HAPPENING - LCD SOUNDSYSTEM

El tercer disco de LCD Soundsystem, con el cual completan una trilogia de valor indiscutible con LCD Soundsystem (2005) y Sound of Silver (2007). Este disco es mucho mas personal y mas noise, sin embargo Murphy mantiene esa linea dance experimental y que suena a improvisación que solo unos cuantos locos pueden lograr con éxito. Sobresalen "One touch", "I can change", y esa canción que nos recuerda al "Heroes" de Bowie: "All I want"

3 - HIGH VIOLET - THE NATIONAL

El quinto disco de The National, con el que se logra 3 obras maestras de un tiro con ALLIGATOR (2005) y BOXER (2007). Mantiene esa linea oscura, sobria y elegante de sus anteriores discos pero esta vez con letras muchos mas punzantes. Se podria catalogar como una musica "romanticamente salvaje". Canciones notables: "Anyone ghost", "Afraid of Everyone", "Sorrow", "Bloodbuzz Ohio", y la que es quiza la mejor cancion en lo que va del año: "Terrible love"

4 - TRANSFERENCE - SPOON

El sexto disco de Spoon y que hace una linea de nada menos que cinco discazos con: Girls Can Tell (2001), Kill the Moonlight (2002), Gimme Fiction (2005) y Ga Ga Ga Ga Ga (2007). Ellos siguen mantiendo su perfil bajo, pero esta vez con un sonido mas maduro, sobrio y narcótico. Sobresalen: “Who Makes Your Money,” “Written In Reverse,” and “Got Nuffin".

5 - TOGETHER - THE NEW PORNOGRAPHERS

Es el quinto disco del "supergrupo" canadiense The New Pornographers, con el que logran levantar la valla un poco decaída de su anterior trabajo Challengers (2007), logrando momentos muy inspirados que recuerdan a sus tres grandes trabajos: Mass Romantic (2000), Electric Version (2003) y Twin Cinema (2005). Power pop explosivo e infeccioso! Escuchen "Silver Jenny Dollar", cortesia de Dan Bejar, para darse cuenta de lo que se trae!

6 - FORGIVENESS ROCK RECORD - BROKEN SOCIAL SCENE

Una gran sorpresa! El cuato disco del otro "supergrupo" canadiense: Broken Social Scene, comandados por Kevin Drew y donde militan Feist, Emily Haines (Metric) y Amy Nillan (Stars), nos recuerda los momentos gloriosos de su obra cumbre "You Forgot it on people" (2003): Art rock puro y con mucha actitud. Lo resaltante de este disco es que suena mas lúdico que sus antecesores, con canciones que suenan urgentes y divertidas, dejando preever que Drew tiene energía para rato. Buenísimas las canciones "World sick", "Foreced to love", "All to all" y "Texico bitches".

7 - VAMPIRE WEEKEND

Cada vez que escucho el Contra (2010), segundo álbum de la banda liderada por Ezra Koenig, me gusta mas, y es que la exquisitez de sonidos que contiene hace que el disco crezca con el tiempo, incluso pienso que este va a crecer mas que su excelente disco debut, y esto se debe quizas a una mayor profundizacion con las raices africanas, y al cuidado con el que se ha moldeado.

La lista hubiese seguido si no fuera porque los nuevos discos de Band of Horses, The Knife y The Hold Steady nos han dejado con las ganas de escuchar algo mas poderoso (aun así siguen siendo buenos discos!). Pero no hay que lamentarse, ya que proximamante se vienen los terceros discos de:

ARCADE FIRE y PANDA BEAR !!

Aca no hay pierde! A estar al tanto!!!!

Por Gonzalo Díaz

JOY DIVISION: A 30 años de la Muerte de Ian Curtis

A 30 años de la muerte de Ian Curtis...

Por Gonzalo Díaz

Año 1977, el movimiento punk explotaba en el Reino Unido creando un antes y un después en la historia del rock. Se podria decir que en los años anteriores al 77 el rock clásico (hard rock, progresivo, etc) experimentó un decaimiento en sus fórmulas, ofreciendo mas de lo mismo y en algunos casos volviéndose mas digerible. En cambio, a partir de ese año se inicio una nueva forma de hacer musica, con bastante actitud y sin mayores pretensiones. Ahi estaban: Sex Pistols, The Clash, The Stranglers y The Jam, entre otros.

A pesar de que el sonido punk se formó en los Estados Unidos, primero con Iggy Pop y sus Stooges y luego perfeccionándose con los Ramones y su notable álbum homónimo del 76. El punk inglés constituyó un movimiento ideológico con un discurso y actitud anárquistas (incluyendo el look y la ropa), reventando Londres y escupiendo contra la corona. Pero no todo sucedia en esta ciudad; en Manchester apareció otro grupo punk menos conocido llamado Warsaw. Ellos solían tocar con los también imprescindibles Buzzcocks, hasta que Tony Wilson, un reconocido personaje de la TV inglesa y (contrariamente) gran visionario musical los fichó como punta de lanza de su flamante disquera Factory Records, la primera de corte independiente del Reino Unido.

Luego Warsaw, liderados por un tal Ian Curtis, cambiaria su nombre a JOY DIVISION.

Joy Division: Stephen Morris, Ian Curtis, Peter Hook y Bernard Summer

Joy Division  fusionó el punk con nuevos sonidos iniciando lo que seria el POST-PUNK. Ellos mezclaban de manera experimental el sonido rabioso de los Pistols con el de los grandes vanguardistas de los sesentas y setentas: El noise de Velvet Underground, la elegancia vocal de David Bowie, las atmósferas de Brian Eno, las estructuras repetitivas del krautrock alemán y el sonido electrónico de Kraftwerk. Por otro lado, fueron la primera banda de la primera disquera independiente, la Factory Records. Con tales características, la mayoría considera a Joy Division como la banda puntal del circuito INDIE.

En 1978 tuvieron sus primeras presentaciones y sacaron sus primeros singles (algunos se encontraban dentro del EP "A Factory Sample", el primer material de la disquera de Wilson). Luego en 1979 sacan su primer disco, el "Unknown Pleasures", que les generaría la ovación de toda la crítica. De esta obra maestra se desprenden temas como "Disorder", "She's lost control" y "Shadowplay" que se convirtieron en himnos indiscutibles de la banda. Tambien sonaron con fuerza sencillos sueltos como "Transmission", la hipnótica "Atmosphere" y aquella joyita de sus conciertos que luego se convirtió en el himno de una generación entera: "Love will tear us apart".

Unknown Pleasures (1979), obra maestra del post-punk y único álbum de Ian Curtis en vida

Sin embargo, sus históricos conciertos dejaban prever los ataques de epilepsia que sufría su vocalista Ian Curtis incluso llevándolo al desmayo en pleno show. Esto, sumado a  sus problemas personales y la disolución de su matrimonio, le generarían una depresión profunda que lo llevo a suicidarse el 18 de Mayo de 1980. Luego del incidente el grupo lanzaría de manera póstuma el sencillo "Love will tear us apart" y su segunda obra maestra: "Closer". Después, los otros tres integrantes (Peter Hook, Bernard Summer y Stephen Morris ) seguirian en la ruta explorando con sonidos electrónicos con el nombre de New Order, pero eso ya es otra historia.

El legado de Joy Division es tan grande que no solo inició el movimiento post-punk, tambien dio pie al nacimiento de otros géneros como el rock gótico (Bauhaus, Echo and The Bunnymen, Sisters of Mercy, Lacrimosa, etc) y el noise rock (Sonic Youth, The Jesus and Mary Chain, Dinosaur Jr, etc). Su influencia, tanto de su musica como su imagen y su estilo de actuar, es grande tambien en grupos de mayor popularidad como The Cure, R.E.M, U2, OMD, The Smiths, Pulp, etc. y en los grupos que hoy conforman el llamado post-punk revival (uno de los sonidos mas populares de la escena indie actual) como Interpol, Editors, The Bravery, The National, Franz Ferdinand o The Killers. Su influencia tambien alberga a grupos de rock latino como Sumo, Aviador Dro, Lucybell, Los Planetas y los nacionales Voz Propia y Dolores Delirio. Por último, en torno a Ian Curtis se han hecho notables películas como son 24 Hour Party People (2002) y Control (2007) lo que revela un rescate de su importancia en la actualidad. 

Portada del soundtrack del film Control (2007)

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A 30 años de la muerte de Ian Curtis, hicimos un pequeño tributo a Joy Division en el CINEFAUA (antes de la proyección de la película Mulholland Dr.), resaltando, entre otras cosas, la cualidad de la vanguardia y la automonía en la manera de hacer arte, ya sea en música, cine, etc, (lo mismo se dijo de David Lynch, director de la pelicula a proyectar). Esta cualidad le da un valor y culto inmenso a estos artistas a comparación de los protegidos por el mainstream y que nos invaden en todos los medios.

Este es el segundo post de música que escribo en el blog-citio (el primero fue sobre The Velvet Underground) con la intención de dar la importancia debida a los grupos que en verdad se lo merecen por su influencia, su carácter experimental y su manera de hacer las cosas. Los cuales impulsan no solo a los músicos sino también a artistas e incluso a arquitectos como nosotros a experimentar dentro de un sistema lleno de convenciones y reglas, teniendo como norte el mostrar nuevas maneras de ver y hacer las cosas. En un próximo post hablaremos mas sobre la cultura del indie rock que emerge en los ochentas y no para hasta hoy en dia (y probablemente nunca lo hará mientras exista un sistema manipulador). Por mientras, les dejamos tres videos de Joy Division de sus presentaciones en la TV y dos videos póstumos de yapa. Provecho!

Shadowplay

Transmission

She's Lost Control

Love Will Tear Us Apart

Atmosphere

BIG STAR - LA GRAN ESTRELLA DEL POWER POP

Por Gonzalo Díaz

Big Star es una de esas bandas fundamentales que nunca llegaron ni llegarán a ser conocidos, sin embargo, fue en los ochentas cuando diversas bandas alternativas y del mainstream lo rescataron con su herencia musical. Así Big Star alcanzó el status de banda de culto con un legado tremendo que continua influyendo a grupos actuales. Lo de ellos se definió como Power Pop, que no tiene ni una pizca que ver con el pop contemporáneo, ni en fondo ni en forma, es simplemente pop con mucha humildad, nervio y desencanto.

Big Star apareció a principios de los 70's cuando el ex-integrante de The Box Tops, Alex Chilton, decidió formar su propia banda en Memphis. Con ella simplemente le dio la contra a las tendencias de la época, llámese hard rock, progresivo, funk, garage rock, etc. Ellos se inclinaron por lo simple, por un lado, melodias sentidas y melancólicas con guitarras acústicas, y por el otro, canciones enérgicas y emotivas con riffs eléctricos que recordaban al beat ingles pero con mucho mas punche.

Así Big Star inventó su propio sonido y con este influenció a diversas bandas de todas las generaciones y de todos los ámbitos, asi desfilan en su escuela grupos de tendencia comercial como The Raspberries, Cheap Trick, The  Records, The Knack, The Outfield y The Romantics, y por el lado independiente bandas como REM, The Replacements, Wilco, The Lemonheads, Elliott Smith, The New Pornographers. Incluso me atrevería a decir que Radiohead toma algunos sonidos del tercer disco de Big Star , el experimental "Sister Lovers".

Pero vayamos al inicio, Big Star arremetió para el 72 con su disco debut “#1 Record”, con un sonido dulce que hablaba de la inocencia en canciones como "Thirteen" y en "The Ballad of el Goodo , luego llegaria “Radio City” (1973), un disco mas potente y lujurioso, de ella se desprenden himnos como "September Gurls" y la hermosa balada "I'm in love with a girl". Luego en 75 grabaron el mencionado "Sister Lovers", que sin embargo fue lanzado recien en 1978. En él experimentan con el noise de Velvet Underground y logran uno de los capítulos mas interesantes de la historia del rock, con temas lamentosos, desesperados y  con una base sonora adictiva como "Holocaust" y "Kangaroo". Cabe destacar también el excelente cover de "Femme Fatale" de los mencionados Velvet.

Este año, Alex Chilton dejo de existir a los 59 años, pero a la vez, nos deja un puñado de himnos gloriosos de esos que se resdescubren cada vez que uno los escuchas. A continuación les dejamos con algunas de estas notables canciones, y que siga brillando la gran estrella del rock.

THIRTEEN

BALLAD OF EL GOODO

SEPTEMBER GURLS

I'M IN LOVE WITH A GIRL

HOLOCAUST / NIGHTIME

KANGAROO

FEMME FATALE

CAN - EL PODER DEL KRAUTROCK

Por Gonzalo Díaz

La tendencia del rock a finales de los 60's

Cuando la juventud estaba extasiada por la moda de las drogas y sustancias, el rock comenzó a conocer nuevos limites creativos. Esa sensación ocasionó lo que se llamaría como psicodelia en ambos extremos del atlantico, pero esa "apertura musical" ademas se agarraba de novísimas tendencias como rescatar los sonidos sinfónicos de la música clásica (Brian Wilson, Moody Blues), los sonidos ambientales (Miles Davis), los exquisitos sonidos de paises mediorientales (Beatles) y balcánicos (Doors), los sonidos electrónicos (Silver Apples), los sonidos afros (Stones, Sly, Santana) y sonidos de la vida cotidiana (otra vez Wilson), asi como distorsionar la guitarra (Hendrix), jugar con la estructura y los ruidos (Velvet) y con las combinaciones de diversos estilos musicales (Zappa).

Asi mientras en EEUU la experimentacion estuvo dominada por la psicodelia, y esta dominaba a la juventud de entonces,basta observar lo que constituyo Woodstock en esa epoca. Por otro lado, en el Reino Unido se venia gestando lo que se llamaria como rock progresivo (que progresa en formas) que seleccionaba las diversos sonidos mencionados y aumentaba aún mas sonidos, texturas y combinaciones, ya sea de la musica clasica como del blues, el jazz y el minimalismo. Ahi estaba Syd Barrett al mando de Pink Floyd dando los primeros esbozos del género, tambien aparecía un gran banda que pasó casi desapercibida en su momento: King Crimson, y las aproximaciones con el jazz de los Soft Machine. Luego el género se expandió con otros grandes grupos como Genesis (con Peter Gabriel), Yes, ELP y Jehtro Tull. Llegando a mediados de los setentas el género comenzó a estandarizarse, gastarse e incluso comercializarse, para diluirse a finales de la década (salvos algunas excepciones).

El Krautrock

Pero que pasaba en Alemania?...en medio de la reposición de la sociedad alemana después de la Segunda Guerra Mundial, la juventud artística buscaba obtener un sello propio a diferencia de lo que sucedía en EEUU e Inglaterra (sus antiguos enemigos de guerra). Es así que empezaron a fusionar diversos sonidos, no solo provenientes del rock sino de cualquier tipo de musica e incluso de sonidos urbanos, naturales y caseros, es asi que apareció el movimiento alemán de rock experimental llamado Krautrock.

Sin embargo, el krautock no era un género definido, era mas bien todo el rock experimental de Alemania que albergaba diferentes sonidos, ahi estan: la psicodelia y el world music de Amon Duul II, el sonido de sintetizadores de Tangerine Dream, el sonido industrial de Kraftwerk, la "bulla sonora" de Faust, el ritmo "Motorik" de Neu!, el space rock de Ash Ra Tempel, el ambient de Cluster, el free jazz de Guru Guru y los inicios del new age con Popol Vuh. Pero a mi parecer, lo mas sobresaliente fue la complejidad sonora de CAN como veremos a continuación.

Can

A finales de los sesentas, en Colonia, cuatro mésicos vanguardistas seguidores del gran Karlheinz Stockhausen, formarían una de las bandas más singulares e influyentes de la segunda mitad del siglo XX, y piedra angular del movimiento krautrock. Se hacían llamar CAN (Comunismo, Anarquía y Nihilismo...o simplemente "la Lata") y lo que hacían era incomparable al resto de grupos de la época gracias a una mezcla de ritmos de diversas canteras:

-Primero: el baterista Jaki Leibzeit venía de las canteras del jazz, y utilizaba todas las variantes de este género en sus percusiones, sobretodo el freejazz y el bossa nova. 

-Segundo: el bajista Holger Czukay se influenciaba del funk de James Brown y del reggae y dub de Lee Scracth Perry, trayendo consigo agitadas vibraciones que se contraponían al ritmo mas bien sobrio de Leibzeit. 

-Tercero: el tecladista Irmin Scmidt sacaba texturas de carácter ambiental y electrónico, con influencia de los neoyorkinos Silver Apples y del mismo Karlheinz Stockhausen.

-Cuarto: el guitarrista Michael Karoli distorsionaba el electric blues sesentero para crear su propio sonido.

El producto final era una mutación musical que se movia entre el jazz, la bossanova y el funk, hasta el rock psicodélico, la electronica y el ambient. Una mermelada de vanguardia!

Damo Suzuki y 3 Obras Maestras.

Quinto: Y a esta gran mermelada, se le sumo la gran cereza, su vocalista Damo Suzuki! un pequeño y volatil cantante de origen japonés y de actitud epiléptica que reemplazaria a su primer vocalista (el americano Malcolm Mooney) y haría de sus conciertos una experiencia todavía mas alucinante.  Damo era capaz de improvisar y adaptarse a todos los ritmos por los que se movian sus compinches. Sus gritos, susurros, repeticiones, aullidos, etc, hacían de su performance un show impredecible, tanto asi que personalidades de la musica actual como Thom Yorke lo utilizan como gran referente para su estilo vocal. Ademas su actitud en el show era espeluznante, ya quisieran los cantantes de nu metal cantar y loquearse como él.

Con Damo Suzuki los músicos de CAN grabarían sus tres obras maestras: "Tago Mago”(1971)  “Ege Bamyasi” (1972) y “Future Days” (1973). De estos grandes discos saldrían varios temas emblemáticos del krautrock como son "Paperhouse", "Bring me coffe or tea", "Spoon", "I'm so green", "Vitamin C" o "Moonshake". Despues de la salida de Suzuki ya nada fue igual, inclusive conforme pasaban los años, Can se fue inscribiendo en los registros de la musica disco (¿?), cosa ya que no merece contarse en este post. Para finalizar, aca los dejamos con algunos de los temas mencionados, pertenecientes a la mejor época del Krautrock.

PAPERHOUSE

MOONSHAKE

SPOON

VITAMIN C

BRING ME COFFEE OR TEA

THE VELVET UNDERGROUND - Maestros del Ruido

Por Gonzalo Díaz

Y después del silencio vino el ruido...

John Cage, el maestro del silencio, tenía un discípulo llamado casi como él: John Cale. Al igual que su maestro, Cale pertenecía también a Fluxus, aquel movimiento neodadaísta de artes visuales, música y literatura que veía al arte como diversión, simple y sin pretensiones. John Cale era un esquivo compositor minimalista, era pianista y violinista, erudito en música clásica pero con actitud experimental. Esta actitud fue la que lo hizo conocer a Lou Reed, la otra cara de la moneda: un rockero salvaje, entusiasta del rock & roll cincuentero y una joyita en cuanto a vicios se refiere. Sin embargo, la actitud vanguardista de ambos, los haría tocar juntos. Con dos locos más: el guitarrista/bajista Sterling Morrison y la menuda batera Maureen Tucker, Cale y Reed formarían uno de los más grupos de rock más grandes e influyentes de la historia: The Velvet Underground.

Formación original de Velvet Underground

Los Velvet fueron los primeros rockeros en experimentar con la forma, y sobre todo, con el ruido, el cual utilizarian como atmósfera sonora, sacando los sonidos más bizarros de sus instrumentos (violas, guitarras, bombos) o de cualquier cosa, como por ejemplo, en las canciones “Heroin” o “Venus in Furs”. Asi Velvet creo el género NOISE, en el cual sucederían músicos y grupos importantes: Brian Eno, Sonic Youth, Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine, etc. Pero además, también sobresaldrían las letras controversiales de Lou Reed (drogas, sadomasoquismo, travestismo, etc) de las que nadie se atrevía a componer en aquella época, la extraña forma de Tucker de tocar la batería con las manos, y las baladas lánguidas, melancólicas y celebratorias, como por ejemplo la excelsa “Sunday Morning”, que conformarían la otra cara del grupo. Estas baladas tendrían su propia escuela: Big Star, Belle & Sebastian, el twee pop.

Con tal nivel de experimentación Velvet consiguió como mánager nada menos que a otro genio loco como ellos: Andy Warhol, el maestro del pop art, quien buscaba una banda de rock vanguardista para integrarlo a la Factory, su taller/fábrica de artistas, cineastas, actores, modistas, modelos, drag queens y mas, y que de noche se convertía en uno de los bacanales más grandes de la historia (eran habituales Bob Dylan, Mick Jagger, Jim Morrison, Salvador Dalí, Truman Capote y otros).

Velvet Underground con Nico y Andy Warhol

El respaldo de Warhol le costó al grupo algunas alteraciones impensadas, como por ejemplo, incluir a Nico en el grupo, modelo y actriz de la Factory, quien cantaría varias de las canciones de su primer disco, y además componer algunas nuevas canciones por encargo de Warhol como "Femme Fatale", un tributo a Edie Sedgwick, la gran musa “fatal” de las películas de la Factory, del mismo Warhol e incluso de Bob Dylan. Con todo esto, nacería el primer álbum: The Velvet Underground & Nico (1967), una joya de la música por donde se le mire, con una gran cantidad de himnos de rock y que además contaba con una excelente portada pop art hecha por el mismo Andy Warhol.

Portada del primer disco de Velvet diseñada por Andy Warhol

Además, el grupo también innovó en lo que serían las presentaciones de rock, ellos inventaron los conciertos lumínicos, lo que le daba una atmósfera especial a sus presentaciones, compatibilizando con su música. Esto se debe en gran parte a la colaboración de Paul Morrisey, gran cineasta experimental, amigo de Warhol y perteneciente a la familia de la Factory. Además de encargarse de su shows, Morrisey también haría películas y documentales con ellos.

Experimentaciones lumínicas en los shows de Velvet.

Pero no todo fue feliz, la tremenda experimentación del grupo le significó un fracaso comercial (aún con el respaldo de Warhol). Al año siguiente rompería su relación con Warhol y Nico, y seguiría su propio camino. Después de sacar el disco experimental White Light White Heat (1968) donde expandió las posibilidades del ruido, John Cale saldría de la banda llevándose consigo la actitud vanguardista del grupo. Solo con Lou Reed a la cabeza, los velvet sacarían dos discos más: The Velvet Underground (1969) y Loaded (1970), con un sonido más rocanrolero y tradicional, que luego seguiría Lou Reed en su exitosa carrera solista. Aún sin John Cale, estos discos fueron también buenísimos. Clásicos como “Pale blue eyes”, “Sweet Jane”, “Rock and roll”, “Here comes the sun” y “Oh, Sweet Nuthin'” saldrían de esta época, estos dos últimos cantados por Doug Yule, el reemplazo de Cale. The Velvet Underground se disolvería en 1970. Luego de ello hubieron discos inéditos, discos en vivo, un quinto disco que sacó descaradamente Yule con el nombre de la banda (y que se borro automáticamente del mapa), compilatorios, una reunión en 1993 que duro poquísimo… y al final ya nada fue lo mismo.

Velvet Underground 1993

Los Velvet no llegaron a ser populares en su época y no lograron vender una buena cantidad de discos, sino hasta después de su disolución. Al pasar de los años su culto comenzó a crecer como la espuma. En New York, la ciudad que los vió nacer, se generó la tradición musical neoyorkina a raíz de ellos, que luego incorporarían a grandes actos de la historia rockera: New York Dolls, Ramones, Patti Smith, Television, Blondie, Talking Heads, Sonic Youth, The Strokes, Yeah Yeah Yeahs, TV On The Radio, LCD Soundsystem y más grupos noise, punk, post-punk, indies, etc. En general, los Velvet Underground fueron para el rock no comercial lo que los Beatles fueron para el rock comercial.

“Pocos escucharon a The Velvet Underground durante su corta existencia, pero todos los que lo hicieron formaron una banda.” – Brian Eno

En principio, puede parecer paradójico hablar del ruido como parte de la música, o como un género musical más, dado que, tradicionalmente, ruido y música han sido conceptos opuestos. Sin embargo, en las últimas décadas no han sido pocos los artistas y compositores que han introducido componentes de ruido en sus obras, e incluso se han creado sellos discográficos dedicados en exclusiva al "noise", lo que hace pensar que está cambiando nuestra forma de percibir y entender la música en estos últimos años.

En fín, no voy a hacer una relación directa de Velvet con la arquitectura, porque sería muy forzado. Lo que si quiero destacar es la actitud vanguardista de estos artistas, que se fueron en contra de todo lo que dictaba la época (incluso el hippismo que era el paradigma de la sociedad y la música de aquellos años) e hicieron su propia música, o incluso, su propia filosofía de crear música, derivando en una influencia tremenda, sobretodo la cultura Indie. Esto se debe a la influencia de Fluxus y Cage en John Cale, a la actitud de Lou Reed, también a la suerte de conseguir un mecenas como el propio Warhol, pero principalmente, a la inminente situación de lo que significa ser vanguardista en una época, lo cual va directo al meollo del asunto: o eres un artista de verdad o eres una estrella de las masas, cada opción tiene su propia lógica de vida y sus propios beneficios, pero es un punto de reflexión por el cual todo artista debe pasar, y por qué no, todo arquitecto. El tema es muy amplio y de todas maneras recurriremos a ello en futuros artículos.

Este post es el primero de varios sobre rock que pienso escribir, en parte aprovechando el descanso de nuestro cinematógrafo en la UNI (Cine Faua) del cual salieron numerosos posts de cine y arquitectura (y seguirán saliendo, debemos muchos!), pero principalmente, porque el rock es una de las cosas que más amamos, claro, aparte de la arquitectura y el cine! Hasta entonces!

"HEROIN"

"VENUS IN FURS" (segmento en vivo en la Factory)

"SUNDAY MORNING"

"I'M WAITING FOR THE MAN"

"FEMME FATALE" (Voz de Nico, imágenes de Edie Segwick)

"SWEET JANE"

"OH SWEET NUTHIN'" (voz de Doug Yule)

PET SOUNDS - UN CLASICO UNIVERSAL

Por Gonzalo Díaz

Este disco es ampliamente considerado el mejor disco de la historia del rock, incluso por encima del también celebrado Sgt Pepper Lonely Heats Club Band de los Beatles, el cual justamente se influenció del mismo Pet Sounds. Personalmente yo conocí a los Beach Boys, y como muchos supongo, con sus conocidísimas canciones de surf pop y armonías vocales (Surfin USA, Surfin Safari, mi favorita Don't Worry Baby, etc), con los cuales habían alcanzado el estrellato repetidas veces. Los Beach Boys ya eran unos veteranos en el negocio de la música, es mas ya tenian 10 discos y una infinidad de singles antes de entrar a grabar el Pet Sounds, pero hasta ahí todo era "tranquilo". Así, cuando escuche por primera vez esta obra maestra descubrí el verdadero potencial del grupo californiano, un contundente cambio y un paso gigantesco en un grupo que mas bien ya comenzaba a repetirse disco tras disco.

Y es que el Pet Sounds nació de la mano de solamente uno de ellos, el genio Brian Wilson, quien comenzó a grabar en solitario el disco encerrado en su habitación 6 meses, mientras el resto de la banda se encontraba de gira. Brian Wilson, con apenas 25 años, asumió el riesgo de dejar atrás del pop de playa para sustituirlo por el pop de cámara: Una cuidadosa elaboración de la música en composición, producción y arreglos. Tiempo interminable dentro del estudio grabando y regrabando, mezclando y remezclando... Y no precisamente para tapar ninguna carencia (como tanta gente ha hecho después) o para aparentar; sino para ofrecer un producto perfecto de principio a fin. Luego, el resto de los Beach Boys vendrian s a grabar las voces y el disco saldría en 1966.

Pet Sounds es un disco impregnado de melancolía, lirismo y de una pura introspección; Los arreglos están cuidados hasta el mas mínimo detalle, las melodías son bellas, complejas y con ciertos aires cinematográficos. El disco ademas impacto con armonías vocales insuperables, de toda tesitura posible; la canción tiene una variedad instrumental inédita para aquella época: violines y similares, órgano, harpsichord, ukelele, oboe, flautas, theremin, a parte de algunos gestos sonoros como incluir campanas, timbres de bicicletas, botellas y latas de Coca-Cola y sonidos de animales (los perros de Brian Wilson). Después de este disco, el pop ya no sería igual. A finales de los 60, multitud de grupos se sumarían al pop con instrumentación clásica.

Justamente Paul McCartney se refirió al disco diciendo: "Pet Sounds fue realmente impresionante. Me encanta este álbum. Le he comprado a cada uno de mis hijos una copia de este disco. Creo que nadie puede tener una educación musical si no ha escuchado este álbum. Me gusta la orquesta, los arreglos y tal vez va a parecer exagerado si digo que este disco es el clásico del siglo, pero para mí es sin duda un disco clásico que es inmejorable en muchos sentidos. Creo que fue realmente la gran influencia que me hizo grabar el Sgt. Pepper's."

En cuanto a la cantidad de himnos que contiene, "Wouldn't it be nice" el tema que abre el disco, tiene una melodía genial con los coros Beach Boys en su máximo apogeo, un cancion como pa entrar al paraiso, "You still believe in me" es música coral, casi un himno religioso. "God only knows, una balada contundente (la mejor canción de los sesenta segun la revista Pitchfork) que inspiró al mismo Paul McCartney en varias de sus composiciones. Sloop John B. es una canción tradicional que Wilson adaptó y que los Beach Boys hicieron propia, con sus voces auténticamente memorables, Caroline no!, canción delicada sobre la perdida de la con quizá la mejor melodía del álbum, y la lista continua...

Como todo paso vanguardista, la discográfica no estaba segura del sonido del álbum, rompía demasiado con lo anterior y no sabían si vendería igual. Pero Brian Wilson se salió con la suya; y el álbum, que se publicó tal y como estaba planeado, abrió las puertas del éxito de los Beach Boys en Europa, tuvo un éxito total de crítica, y una influencia tremenda, que sorprendentemente se noto con mucha claridad a finales de los noventa.

Después de este álbum, Brian Wilson pretendía seguir con una obra aún más ambiciosa que se iba a titular Smile. El single que iba a servir para presentarlo fue "Good vibrations", que consittuye un hit triunfal pero los problemas personales de Wilson le impidieron finalizar el álbum. Al final, tras casi 40 años, lo hizo en 2004.

Varios años atras de que se lanzara oficialmente el Smile, ya habia pasado un fenomeno particular, que volvió a los Beach Boys a los planos de culto. Una serie de bandas del circuito independiente influenciadas por el "sonido pet sounds" comenzaron una serie de obras maestras , ahi esta en primer lugar "The Soft Bulletin" de los grandiosos Flaming Lips (disco justamente considerado el Pet Sounds de los noventa), tambien el "Deserter's songs" de Mercury Rev, y luego la lista aumentaría, con excelentes grupos como Grandaddy, The Shins, The Polyphonic Spree, Rooney, Of Montreal, Animal Collective, Panda Bear, etc.

Algunas de las canciones escenciales del Pet Sounds, y de todos los tiempos!

                                                   WOULDN'T IT BE NICE

SLOOP JOHN B.

GOD ONLY KNOWS

CAROLINE, NO!

PLASTIC BEACH - GORILLAZ

Gorillaz, el proyecto alterno de Damon Albarn (líder y vocalista de Blur) nació hace casi diez años, como uno de los proyectos mas originales surgidos en el presente siglo. No solo por las bondades musicales de su paleta de sonidos, sino por la esencia misma del grupo, ser un grupo animado (con el apoyo del dibujante Jamie Hewlett), lo cual integraba el arte de la música con el arte de las animaciones en una sola entidad.

El disco homónimo, en el lado estrictamente musical, mostraba una serie de fusiones inéditas que nos hizo comprender que el rollo de Gorillaz tenía mas sorpresas de lo que se pensaba a primera impresión. Su estilo musical evolucionó aún mas con el segundo disco, el destacable "Demon Days", y una plataforma donde convergían musica disco, electrónica, hip-hop, soul, brit pop, rock, etc etc, pero extrañamente todo bajo un manto oscuro y muy sutil, que se contraponía a lo colorido de sus videos y personajes.

Este año salió el tercer disco: Plastic Beach, con el cual nos dimos cuenta rotundamente que Gorillaz dejó de ser el proyecto "fuera de serie" del siglo pasado para agarrar identidad propia y afianzarse como un grupo sólido, con una carrera aún a cuestas y con muchas sorpresas que dar. La evolución musical de este grupo animado verdaderamente ha sido mas soprendente que varios de los grupos de carne y hueso que lideran el mainstream británico, y que sinceramente ya nos tienen cansados. Es mas, en la actualidad se podría comparar a Gorillaz con la época dorada de Blur, no por algo son el grupo de fondo de la última noche del Coachella!

Entrando a la "playa plástica" encontramos mas ideas brillantes y mas colaboraciones que resultan muy agradables, como por ejemplo la de Bobby Womack con Mos Def en el genial primer single "Stylo" , el dueto de los suecos Little Dragon con Albarn en dos canciones del disco que suenan como si ya fueran viejos compinches, el sonido exótico que exuda "White flag" gracias a la ayuda de orquestas arabes, la colaboración de De la Soul en "Superfast jellyfish", y como estrella del disco, la excelente colaboración de genial Lou Reed en la desorbitante "Some Kind of Nature". Animadamente recomendable!

Por Gonzalo Díaz

2012 - TURBOPOTAMOS

2012 ha sido uno de los mejores discos del 2009 en materia de rock nacional, y si hablamos solo de ep's, definitivamente sería el mejor. Ademas, es el primer disco de una banda nacional consagrada que se puede descargar gratuitamente del internet, y por el cual hizo una convocatoria, por este mismo medio, para crear el diseño de la portada.


Como todo Ep, es un disco de corta duración, contiene solo seis canciones, pero hey! que rotundos temas! Aca hay muchos elementos que los turbo nos mostraron en No Love, pero esta vez sobresalen algunas sorpresas como el juego de vientos que se escucha en casi todas las canciones, y otros nuevos sonidos.

Comenzamos con "2012" un delirio instrumental que por la cualidad de su fusión y su ritmo endemoniado se convierte en uno de las mejores temas nacionales del año. Luego le sigue "Una vez al mes", otra gran canción que muestra al inicio la inocencia y ternura de otroras turboclásicos como "Ultrabeba", pero que sin embargo irrumpe con los susodichos vientos. Luego le siguen las efectivas "Shake it" y "Basta", esta última con cambios de ritmos y variedades de instrumentos que hace presagiar lo que llegaría después: la sorpresiva "Little Whore", una lenta fenomenal que lleva a los Turbo por caminos insospechados, hay guiños a Flaming Lips, a Polyphonic Spree, e incluso un segmento a lo Kraftwerk. El disco cierra con la veraniega "Maria dub" para constatar que lo de los Turbos es la alegre y eterna juventud.

Adiós al electrizante y desenfrenado skabilly! bienvenidos al dulce mundo del indie pop multi-instrumental.

Por Gonzalo Díaz

PSYCHIC CHASMS - NEON INDIAN

La canción mas linda y perfecta para escuchar en este veranito limeño, no es una cumbia sobre desamores ni un reggaetón sobre sol y mujeres en la playa, es "Deadbeat Summer", una canción veraniega, plácida y relajada como para dejarse llevar por las brisas del mar mientras uno esta tirado en la arena presenciando el ocaso del sol.


Y esta canción, es solo un botón de lo que es este gran disco "Psychic Chasms" lanzado a finales del año pasado por el dúo americano Neon Indian. Aunque la crítica lo ha comparado con MGMT, la verdad es que este novísimo dúo, cuyo frontman Alan Palomo pertenece al grupo electropop VEGA, tiene muchas virtudes propias como abrirse camino entre lo mejorcito del año.

En el disco encontramos diversos sonidos de sintetizadores, con ecos al pop ochentero, a Daft Punk y a la IDM, pero a la vez encontramos bastante lo-fi (sonido casero) y esto vale la pena resaltar ya que el dúo le quita el carácter plástico y soberbio a la electrónica para darle mas bien un sentimiento bastante honesto y cotidiano... Electrónica lo-fi?.

Además del tema mencionado sobresalen Terminary Chill", Laughing Gas" y "Local Joke", perfectas para recorrer las calles en las tardecitas del tímido verano, y para las noches calurosas esta "Ephemeral Artery", como para bailar en medio de luces de neón hasta que salga el sol. Basta apreciar la portada del disco para hacerse una idea de las delicias que contiene. Recomendable.

Por Gonzalo Díaz